Culture Confiture

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Thu, 08 Mar 2012 00:20:38 +0100

Shame

Thu, 08 Mar 2012 00:19:09 +0100

Tout est dit dans le titre. Le film de Steve McQueen ne raconte pas mais juge l’histoire d’un homme (Michael Fassbender) obsédé par le sexe qui est incapable d’avoir une relation normale avec une personne, qui n’a pas besoin de famille ni d’amis. Juste du sexe. “Shame”. C’est ce que nous dit le réalisateur : honte à celui qui ne veut que du sexe. Honte à celui qui se fait surprendre en train de se masturber et à celui qui à des rapports sexuels par webcams interposées. Sans psychologie ni finesse ni recul, il émet un jugement de valeurs qui ressemble parfois à un discours du Vatican.

Tout le film sonne faux parce qu’il ne comprend pas le personnage qu’il raconte. On nous montre un homme qui tout au long de l’histoire se sens de plus en plus mal dans son enfermement, dans son obsession, sa solitude,… Et ce qu’il essaye de dire à peu de chose près c’est qu’il irait mieux s’il avait des amis et une famille qu’il aimait. Or au début du film, le personnage va bien, son existence est comblée par le sexe et ça lui plait beaucoup. Il n’a pas d’amis i de famille et n’en a pas besoin. Pourquoi ce bonheur s’arrêterait-t-il ? Il n’y a pas de raison. Donc le film se trompe, sur toute la ligne. Le film aurait peut être dû raconter l’histoire d’un homme qui est obsédé par le sexe mais qui ne réussit pas du tout dans ce domaine là et qui serait alors contraint à la solitude extrême. Mais ce n’est pas du tout le cas, notre personnage réussit très brillamment à se comblée du péché originel. Parce que c’est ce qu’on ressens en voyant le film : le sexe (pour le plaisir) est un péché.

Le film passe énormément de temps sur la relation entre le personnage de Michael Fassbender et celui de sa soeur (joué par Carey Mulligan). Entre eux deux c’est assez difficile, l’une est une dépressive qui a un besoin énorme d’affection, d’attention et de contact; l’autre rejette toutes formes d’amour, de liens familiaux,… Un jour, sans qu’il ne soit au courant, sa soeur envahit sa vie, son appartement, son espace, et même son métier (elle a une relation avec son patron qui est marié). Et à partir de là, le personnage commence à ressentir un énorme malaise pesant. Et on sens enfin un ton juste dans le film, on se dit même que le film va être bien. Mais tout est tellement exagéré qu’on y croit plus comme le moment où elle le surprend dans la salle de bain en train se masturber et qu’il a une réaction complètement démesurée. Mais leur relation reste quand même la partie intéressante du film.

Mais à présent admettons que ce que McQueen raconte soit juste. Qu’il ai bien compris le personnage, etc. Ce qu’il n’arrive pas à faire c’est le filmer. Comme je l’ai dit plus haut le personnage n’aime que le sexe pur, froid, cru, direct,… Il n’aime pas les emballage, les pertes de temps, les discussion. Il n’est pas romantique et s’en fout de l’esthétique. Alors on se demande pourquoi McQueen s’efforce de montrer les scènes de rapports sexuels (qui sont évidemment le sujet central du film) de façon aussi hollywoodienne, belle, bien filmée, en travaillant la lumière, les prises de vue. Ça ne colle pas, la forme contredis le contenu et donc on ressens encore moins ce qu’il faut comprendre. Ces scènes auraient du à l’évidence ressemblées à de films pornographiques car c’est ça le vrai fantasme du personnage qui vit réellement ses fantasme. Tout est trop propre, travaillé et esthétisé, c’est joli alors que ça devrait être horriblement laid.

J’ai vraiment eu le sentiment que le film n’avançait pas, et qu’on nous répétait sans arrêt la même chose ce qui rend le tout assez ennuyeux. Michael Fassbender est moins convaincant que ce que j’attendais (il a quand même reçu le prix d’interprétation à la Mostra de Venise en 2011 ce qui pouvait augurer de quelque chose d’assez impressionnant). Carrey Mulligan est très bien.

Bilan, une assez grande déception étant donné tout les cris au chef-d’oeuvre que ce film a succité.

3/10

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Sun, 26 Feb 2012 20:01:00 +0100

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Fri, 17 Feb 2012 22:22:00 +0100

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Fri, 17 Feb 2012 16:43:00 +0100

A Dangerous Method

Fri, 17 Feb 2012 16:41:00 +0100

C’est de la merde. Ils étalent de leur foutre à l’écran, c’est dégueulasse. Il n’y a rien de bien sauf Viggo Mortensen qui est excellent (un grand acteur). Mais c’est tout. Ne regardez pas ce film.

1/10

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Fri, 17 Feb 2012 16:37:00 +0100

L'Amour Dure Trois Ans

Fri, 17 Feb 2012 16:33:00 +0100

Je ne vais pas m’attarder. C’est à l’évidence un film français, une comédie romantique, dont on anticipe les moindres méandres à 2 kilomètres. Il arrive à respecter les codes du genre avec une telle ferveur que ça en devient un exploit. Tout y est. La seule choses qui arrive à différencier ce film des quelconques comédies romantiques américaines ou anglaises est le fait que Frédéric Beigbeder a sur-écrit les dialogues ou bien les a tirés directement du roman qu’il a lui même écrit sans travailler sur l’adaptation du roman en scénario pour le cinéma. On sens donc une plume qui ressort des dialogues et dans ce que raconte le héros/narrateur, mais malheureusement ce qui donne très bien dans un livre, sonne très faux dans ce film. On y croit pas. Une personne censé ne dit pas des phrases pareilles, ce sont des phrases à lire pas à dire, désolé d’insister mais ça devenait inaudible. En plus du fait que les phrases était destinées à être lues, les acteurs sont presque tous des débutants au cinéma (Gaspard Proust, JoeyStarr, Nicolas Bedos,…), sauf Louise Bourguoin, et dont tous ces débutant n’arrive pas à faire passer ces dialogues, c’est trop dure. Il ne sont pas aidé par la direction d’acteur, qui est censé les guider, car le réalisateur est aussi débutant, c’est son premier film. Résultat tout est faux, rien ne sonne juste. Il n’y a que Valérie Lemercier qui arrive a nous faire éclater de rire, parce qu’elle a vraiment l’expérience pour faire passer ce genre de texte.

4/10

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Thu, 16 Feb 2012 23:41:00 +0100

Per Kirkeby

Thu, 16 Feb 2012 23:37:00 +0100

C’est la rétrospective de l’artiste danois au Bozar, à Bruxelles. Je commence à penser que le Bozar n’a pas beaucoup d’imagination pour les scénographie d’exposition, c’est souvent pareil, et peut être plus généralement, les concepteurs d’expo en général s’assoient sur des formes rassurante de présentation, conventionnelle,… Chaque artiste à un caractère, une âme propre, mais pas chaque rétrospective ou exposition.

Je ne connaissais pas Kirkeby. Le seul tableau que j’avais vu de lui était l’affiche de l’expo un peu partout dans Bruxelles. Donc tout n’allait être que surprise, salle par salle, j’allais apprendre à connaitre Kirkeby.

On entre et la personne qui déchire nos entrées nous dit qu’il ne nous reste plus que 30 minutes pour voir l’exposition. Il était 17h30 et le Bozar ferme ses expositions à 18h (un petit peu fonctionnaire…). A l’entrée une gigantesque peinture qui est notre premier contact avec l’oeuvre, ça a l’air assez impressionnant mais vu qu’on a peu de temps je ne m’attarde pas devant et j’entre dans la première salle, les débuts de l’artiste. Le Bozar ne sais pas s’empêcher de présenter les choses chronologiquement, au début le début et à la fin la fin. On comprend que Kirkeby était un artiste jeune, qui ne savait pas encore comment gérer sa peinture, ni ou se situer dans sa toile (ou planche en bois). Il essaye, cherche, rate, mais il arrive à surprendre d’une façon qu’il ne retrouvera sans doute plus après, après une installation dans son art à lui. Il ose les couleurs, travaille les formes et les visuels de ses oeuvres. Cette première salle est clairement un laboratoire.

Ensuite, on suit l’artiste qui trace des voies, des chemins qu’il aime parcourir. Chaque salle a sa cohérence chromatique ou thématique, donc dans chacune d’elles, les tableaux ont des points communs, parfois se ressemblent et c’est assez lassant. La salle des petits tableaux est suivie de la salle des grands tableaux, celle des oeuvres noires est suivie de celle des oeuvres colorées et on pontue les chapitres de petites sculptures assez fades et froides. C’est dommage.

Kirkeby trouve son geste, il est large et serein parfois paisible quand il evoque les arbres. Son oeuvre est terrienne mais pas assez profonde, foncée mais pas sombre. J’ai ressenti beaucoup de calme en voyant son travail. Il n’a pas l’air d’être un peintre pressé, ni nerveux.

Ce que je ressens globalement c’est que Kirkeby est un peintre doué mais qu’il ne consacre pas beaucoup de temps à chacune de ses oeuvres. Et surtout que le Bozar n’a pas consacré beaucoup de temps à l’élaboration de cette exposition. Huit euros c’est cher.

5/10

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Sun, 22 Jan 2012 19:32:00 +0100

The Girl With The Dragon Tattoo

Sun, 22 Jan 2012 19:28:53 +0100

Je n’ai pas grand chose à dire sur le film. J’ai passer un très bon moment en le regardant. Rooney Mara est impressionnante en Lisbeth Salander. Qu’est-ce qu’elle est belle…

8/10

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Sun, 15 Jan 2012 18:26:00 +0100

J. Edgar

Sun, 15 Jan 2012 18:20:00 +0100

Un vieil homme, qui est derrière le même bureau depuis trop longtemps, dicte avec autorité la vie qu’il aurait voulu mener pour écrire ses mémoires et semble croire qu’il a réellement vécu cette existence fantasmée. J. Edgar Hoover dirige depuis près de cinquante ans le FBI qu’il a créé, fait s’épanouir et s’imposer comme pièce majeure de l’échiquier politique des Etats-Unis. A 24 ans, après avoir raté une demande en mariage avec celle qui deviendra son épouse de travail, il devient directeur d’un bureau d’investigation aux méthodes nouvelles et rencontre son époux (de travail), Clyde Tolson, qui deviendra directeur adjoint. Ils déjeuneront ensemble tous les jours de leurs vies à défaut de pouvoir vivre leur amour.

Clint Eastwood n’a plus de réputation à faire, on sait qu’il est l’un des plus importants et prolifiques réalisateurs du cinéma américain contemporain. Même si ces dernier temps, il a réalisé quelque film “normaux”, convenable, passe partout ; ce qu’on retient de lui ces dernières années ce sont les Mystic River, Million Dollar Baby et Gran Torino. Je mettrais sans doute J. Edgar du côté de ses bons films.

Eastwood arrive avec raconté avec énormément de nuances, un histoire d’amour bouleversante et il nous montre la complexité d’un personnage qui aurait pu simplement être considéré comme tyran. Edgar Hoover est un paranoïaque obsédé par le problème éternel de la sécurité, de son pays, mais surtout de la sienne. Ce personnage se sens en sécurité dans le monde qu’il connait, la maison de sa mère, son pays,… Ce dont il a peur est d’entrer dans un monde inconnu, celui que sa mère refuse, celui de son amour. Cet homme combattra donc ses névrose en vouant se vie à la sécurité de son pays en le préservant, en le gardant a tout prix comme il est pour ne pas entrer dans un monde inconnu. La sécurité.

Comme à son habitude, Eastwood arrive à travers ses belles images, ses cadres impeccable, à transmettre beaucoup d’émotion. Comme dans Mystic River, la désaturation des couleurs rend l’image aussi glaciale que le maquillage de Tolson et Miss Gandy, tous deux momifiés par leur existence passé au coté de Hoover. Comme dans Million Dollar Baby , Eastwood manie à la perfection les clair-obscurs. Par ce moyen, il arrive à nous dévoiler et nous cacher comme bon lui semble la personnalité de Hoover. Enfin, comme à son habitude, le cowboy au regard inoubliable signe la bande originale, toujours dans le même style évidemment mais qui colle vraiment bien à ses films.

La prestation de Leonardo Di Caprio est très impressionnante. Il nous avait déjà montrer ses dernières années qu’il est devenu un des acteurs incontournable de sa génération. Pourquoi pas un oscar, même si je suis sur qu’il nous interprétera encore beaucoup de rôle susceptible de lui rapporter la statuette dorée.

8/10

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Sat, 14 Jan 2012 19:54:00 +0100

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Sat, 14 Jan 2012 00:14:00 +0100

Art in Brazil (1950-2011)

Sat, 14 Jan 2012 00:11:00 +0100

Toute une partie de l’art contemporain n’a pas d’autres objet que l’art lui-même.

Art in Brazil est la première exposition d’art contemporain brésilien en Europe. Par conséquent, la quasi-totalité des artistes qui en font partie sont très méconnus, ici en Europe. Et je crois sincèrement que beaucoup d’entre eux le resterons, surement.

L’expo est chronologique et chaque partie correspond à une décennie. Une construction linéaire donc qui surprend peut, sauf peut être par le retard de certains artistes sur leurs contemporains plus internationaux. On commence par les année cinquante, un néoplasticisme sur le (trop) tard pauvre, très froid, souvent vide. L’agencement des salles de cette partie là est au niveau des oeuvres présentées. Un début très conventionnel, de “l’art banal”, qu’on a oublié huit mètres plus loin. Assez déçu, j’espère mieux la suite. l’espoir fait vivre

Les salles s’enchainent, elles sont assez nombreuses, loin d’êtres toutes de la même qualités. A certain moment, des surprises nous attendent, enfin de l’art. Une douche de spaghetti bleus géants qui donnent une étrange sensation quand on la traverse, plusieurs beaux tableaux abstraits,… J’ai même ri en regardant les oeuvres de Cildo Meireles qui doit être un des seuls artistes de l’expo à avoir travailler plus de deux heures sur ses oeuvres. On ne s’attarde pas trop, il n’y a pas de quoi.

On remarque qu’au fil des décennies, l’art contemporain brésilien a appris, il a muri, grandi,… Sans trouver d’identité propre, il arrive à s’inscrire honnêtement dans la vague contemporaine. Il ne vole (presque) pas sa place au Bozar, mais le vol serait sans doute de revenir ou d’aller investir un autre endroit d’Europe. Il faut pas pousser.

4/10

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Wed, 11 Jan 2012 22:38:00 +0100

Hugo Cabret

Wed, 11 Jan 2012 22:21:00 +0100

Dans un Paris imaginaire des années trente, un petit orphelin remonte, tous les jours, discrètement, les horloges de la gare, sans se faire voir de personne, il bricole des rouages et ne cesse de se ballader dans cette gare, dont il connait les moindres passages secret, à la recherche des pièces qui pourraient lui servir à réparer un automate que son père,mort, avait trouvé dans un musée. Hugo cherche à tout prix à savoir quel secret renferme cet automate. Son périple va le mener à rencontrer son créateur dont il ne soupçonnait pas le passé. Le vieux vendeur de magasin de jouets de la gare est l’inventeur de cet automate unique qui dessine tout seul, mais il est surtout le premier grand cinéaste de l’histoire : Georges Méliès.

La magie de se film n’est pas comment Hugo réussit à réparer son automate mais bien l’hommage que rend Martin Scorsese à l’histoire du cinéma. Ce film est à l’evidence beaucoup plus intéressant que n’importe quel documentaire sur l’histoire du début du cinéma ou sur Méliès car le film est rempli de la même magie que Méliès mettait dans ses films. Le cinéma, c’est l’endroit où l’on crée les rêves, là où l’impossible est possible. La seule limite est celle de l’imagination, l’infini.

La pauvreté du scénario et de l’intrigue est totalement comblée par le plaisir de pouvoir voir à notre tour, plus de 100 ans après, ce fameux train qui entre en gare qui effrayait le public de la première salle de cinéma et de voir Méliès travailler dans le premier studio de cinéma jamais conçu. Hugo Cabret est en définitive une façon unique de faire découvrir le “vieux” cinéma aux enfants qui n’aurait son doute jamais entendu parler de Méliès.

Ben Kingsley est assez convainquant en Méliès et, une fois n’est pas coutume, la 3D a une réelle profondeur.

7/10

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Sun, 08 Jan 2012 23:54:00 +0100